domingo, 24 de agosto de 2008

Panton, Verner (1926-1998)


Biografía:

Se gradúa en arquitectura en 1951 tras haber estudiado en el Odense Teckniske Skole y la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Durante dos años trabaja en el estudio de Arne Arne Jacobsen, formando parte de los estudios para el diseño de la famosa silla Ant (hormiga). En 1955 crea su propio estudio y empieza un periodo de indagación imaginativa. Diseña continuamente objetos industriales, pero también realiza proyectos de montaje de stands y exposiciones, como el de la feria de comercio de Købestǽvnet (con el techo alfombrado, algo sorprendente en su momento, que atrajo la atención de los visitantes) en 1959, y dos años después para Feria del mueble de Colonia. También rediseña espacios interiores como el restaurante Astoria en Trondheim. Su estudio en Basilea en 1960 atrae a numerosos clientes, y continúa realizando espacios a modo de paisajes de fantasía para exposiciones (como Visonia). A principio de los setenta trabaja para Fritz Hansen diseñando mobiliario. En los años ochenta, su éxito disminuye.

Comentario crítico:

Diseñador original e imaginativo, Panton reinterpreta los adornos op-art, llenando a los muebles y los espacios interiores de optimismo y colorido. Se aparta de la tradición escandivana a la cual estaban ligados la mayoría de los diseñadores de su momento, para producir objetos plásticos llenos de colores y fantasía.

Diseños más representativos:

SILLA CONO, 1958

Silla reducida a una forma cónica, de cucurucho, gozó de un gran éxito en su momento, ya que combinaba la originalidad del op-art con la reducción a las formas geométricas y el uso de materiales metálicos, junto a colores brillantes.

SILLA CORAZÓN, 1959.

Teniendo como base la silla cono, Panton le añade unas alas a la idea anterior, y la reviste, creando una silla-sofá, que roza los límites con el pop art.

SILLA CLASSIC PANTON, 1962.

Uno de los diseños más aplaudidos y producidos de Panton. Una forma sencilla y sinuosa, con colores brillantes, servirá de emblema para los diseños de los años sesenta. Vitra se encargó de su producción en plástico, lo que supuso un largo camino en la elección del material, pasando de su producción en poliéster reforzado con fibra de vidirio, a espuma rígida de poliuretano (que permitió su producción en una única pieza), hasta plástico Luran S (poco resiste). En los noventa fue reeditado.

SILLÓN TORRE VIVA, 1968-69.

Una de las producciones más originales y representativas de Panton. Creada en un momento en el que los diseñadores buscan nuevas soluciones a los problemas de vivienda, creando microentornos futuristas, Panton rompe los límites entre las categorías de los muebles, para producir un sillón-silla-sofá-alfombra, que crea espacios únicos, donde el usuario puede modificar la composición, y crear paisajes dentro de la vivienda.


sábado, 23 de agosto de 2008

Kuramata, Shiro (1934-1991)



Biografía:
Tras haber finalizado sus estudios en arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Tokio, como diseñador en el Instituto de Diseño de Kuwasawa, y trabajar durante un año como ebanista, comienza su trayectoria trabajando como diseñador de venta al público en los almacenes Masuya de Tokio, para en 1965 fundar su propio estudio, Kurumata Design Office. Sus primeros proyectos se centraron en el diseño de interiores de numerosos locales, hasta alcanzar la fama en 1972 con el premio de diseño Mainichi, momento en el cual, el número de galardones aumenta a la par que su éxito. Realizó diseños para el grupo Memphis de Milán, y en los años ochenta colabora con Issey Miyake.
Comentario crítico:
Uno de los diseñadores más reconocidos de Japón, Shiro Kurumata reflexionó sobre la relación entre forma y función a través de su visión surreal y minimalista, que traslada a objetos cotidianos. Reconocía como principal influencia la figura de Sottsass, con el que coincide en el grupo Memphis. Sus diseños transmiten una sensación de ingravidez, de transparencia y de sencillez. Produjo más de 180 modelos de muebles, a los que impregnaba de una particular visión del diseño, producto de una mezcla entre la abstracción, el minimalismo y el modernismo de Bauhaus, desde una mirada oriental. La mayor parte de sus diseños tienen un trasfondo con una intencionalidad profunda.
Diseños más representativos:
MISS BLANCHE, 1988
Silla realizada en plexiglass, con flores de papel flotando dentro del material. Fue creada para la KAGU Tokyo designer’s week, inspirado en la fragilidad y la vanidad de la miss Blanche Dubois, la protagonista de la obra Un tranvía llamado deseo, de Tenesse Williams.
REVOLVING CABINET, 1970
Veinte cajones rojos de material acrílico se articulan entorno a un soporte metálico vertical. Permite alterar las líneas del mueble, haciéndolo configurable por el usuario. Sencillo, minimalista, y utilitario.
HOW HIGH THE MOON, 1986
Sillón y sofá diseñados mediante la reducción máxima de elementos, remitiéndose a las formas y la estructura, aprovechando al máximo las posibilidades de los nuevos materiales. Transmite una sensación de ingravidez. Su diseño se relaciona visualmente con la renderización de las líneas. No tiene ningún tipo de armazón interno, está completamente realizado en acero.

viernes, 22 de agosto de 2008

Molino, Carlo (1905-1973)


Biografía: Hijo del ingeniero Eugenio Mollino, sigue la profesión de su padre, pero también se forma como arquitecto e historiador del arte. Famoso por su trabajo como ingeniero dentro del estudio de su padre, así como por arquitecto y diseñador industrial, además de su faceta como fotógrafo de desnudos eróticos.

Influenciado por el futurismo y por su amigo Italo Cremona. Colabora con Eero Saarinen y Charles y Ray Eames para la revista Domus. Uno de sus trabajos más conocidos como arquitecto fue el diseño de la Soccietá Ippica de Turín.

Comentario crítico:

Los diseños de Mollino se definen por una línea muy expresiva, cercana a las formas biomórficas y sinuosas. Los críticos lo consideran su producción como una reinterpretación moderna de técnicas artesanales. Su estilo fue denominado como barroco turinés. Por su conjugación de futurismo y surrealismo. Sería una influencia primordial en el trascurso de la posguerra italiana en lo que diseño y arquitectura se refiere.

Diseños más representativos:

MESA ARABESCO. 1950.

La mesa, como una elocuente escultura, juega con las líneas de la mujer. La mezcla de formas humanas con animales ha llegado a denominarse “surrealismo aerodinámico”. Junto a la mesa “Reale”, fueron pensadas para la tienda Singer en Torino. Comercializada para Apelli & Varnesio. Realmente, esta mesa de café ofrece una mezcla de formas orgánicas dispuestas para una funcionalidad obvia. Las líneas se marcan gracias a la flexibilidad y ligereza que le aportan el nuevo tratamiento de los materiales.

LITERAS ALPINE, 1953

Literas diseñadas para los apartamentos Casa del Sole en Cenina, Italia. Se transforman en una cama de matrimonio, con mesillas de noche y taburetes incorporados. Mollino renuncia aquí a los juegos sinuosos y produce una línea altamente funcional para los apartamentos, remitiendo a los muebles tradicionales de las regiones nórdicas.

SILLÓN PARA EL AUDITORIO DE LA RAI EN TORINO, 1951

Sillones proyectados para el auditorio de la RAI. Corresponden a un diseño integral del espacio, puesto que todo el edificio fue proyectado por Carlo Mollino y su padre, Eugenio Mollino. Línea funcional, guarda una similitud con otros modelos de sillones proyectados por Mollino, como el modelo Gilda. Originariamente realizados en terciopelo rojo.

ESPEJO VENUS DE MILO, 1937

Diseñado en 1937, lo comercializará posteriormente Zanotta. Se inspira en la silueta de la famosa escultura clásica de la Venus de Milo. Es uno de los artículos más conocidos de Mollino, y que alcanzan una gran difusión. El espejo se libra de todo tipo de marcos y molduras.

SOFÁ DEVALLE, 1939

Este sofá realizado en terciopelo rojo remite a una tendencia marcada por Mollino en la casa Miller (la propia del diseñador) y la casa Devalle, donde realiza un diseño de interior totalmente surrealista, que fue descrito por los críticos como barroco turinés. Este sofá, con forma de labios, recuerda visualmente al sofá-labios realizado en 1938, tan sólo un año antes, inspirándose en la actriz Mae-West.

jueves, 21 de agosto de 2008

William Morris (1834-1896)



Biografía:
William Morris inicia sus estudios en el Marlborough College y los continúa en el Exeter College, perteneciente a la Universidad de Oxford, sobre arquitectura, arte y religión. Una de sus principales influencias fue su amigo John Ruskin, y el círculo de artistas prerrafaelistas. Se forma como arquitecto trabajando para George Edmund Street, y poco después, en 1861, funda junto a Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philip Webb la empresa Morris, Marshall, Faulker & Co., un estudio de arquitectura que también realiza proyectos de diseño industrial. En 1875 figura Morris como el único propietario, al frente de Morris & Co. Sus proyectos en este momento conciben un espacio total , produciendo una variedad de artículos. Su pensamiento social y su trayectoria política se trazan a la par que su carrera profesional: es uno de los principales miembros de Arts & Crafts (Arte y Oficios) , y funda la Federación Social demócrata. También tiene una producción literaria, que refleja sus pensamientos de utopía social, y fue responsable de la editorial Kelmscott Press, donde se producen trabajos originales y se reimprimen clásicos literarios.

Comentario crítico:
William Morris se convirtió en uno de los principales defensores del trabajo artesanal, defendiendo la producción manual, aunque paradójicamente se ha convertido en uno de los grandes referentes para el diseño industrial. Su intención era la de transmitir un buen diseño, como el principal objetivo de su obra, pero la producción manual encarecía notablemente el coste de sus obras, por lo que realmente era una producción para una élite. Sin embargo, fundó las bases para la práctica de una fabricación ética.
Su estudio de la época medieval y del renacimiento hacen que sus obras se comprendan como una relectura original de éstas etapas históricas, dando lugar a las características propias del grupo de los prerrafaelitas, pero que Morris transportaba de la pintura al diseño industrial (papel pintado, mobiliario, …).

Diseños más representativos:
TRELLIS (WALLPAPER), 1862.
El primer estampado data de 1864. Sin duda, uno de sus diseños favoritos, que Morris tenía en su propia casa londinense de Kelmoscott, donde pasó sus últimos años de vida. Inspirado en los manuscritos de botánica de los siglos XVI y XVII, parecen también inspirados en su propio jardín de Red House, el cual tenía un diseño medieval, con parterres de flores y rosales. Los pájaros que aparecen en el diseño fueron dibujados por Philip Webb.





Y un vídeo muy interesante:



lunes, 18 de agosto de 2008

Ron Arad (1951-)


Diseñador, artista y arquitecto israelí, se traslada a la capital inglesa en 1973, donde continúa sus estudios a la vez que trabaja con la Architectural Association, de la mano de Peter Cook y Bernard Tschumi. En los ochenta, ya licenciado y con un estudio propio (llamado One Off, creado con Caroline Thorman) comienza a desarrollar proyectos ligados al diseño. Su estudio de Convent Garden se convierte en un espacio expositivo de proyectos propios y de Tom Dixon y Diane Lane. Es en 1989 cuando crea su actual estudio, Ron Arad Associated, en Chalk Farm.

Sus primeros trabajos se centran en el diseño industrial, pero poco a poco, sigue una tendencia cada vez más ligada a proyectos artísticos. Su profesión como arquitecto ha continuado, destacando su intervención en el vestíbulo de la Ópera de Tel- Aviv. Desde 1997 da clases como profesor invitado en el Diseño de Producto, dentro de la Escuela Técnica Superior de Viena, y también imparte docencia de Diseño industrial y de mobiliario en la Real Escuela de Diseño de Londres. Se han realizado varias exposiciones sobre su obra; Not made by hand, not made in China en el 2000 en la Galería Gio Marconi de Milán, y ese mismo año Before and after now en el Museo Victoria and Albert de Londres, entre otras.

Comentario crítico:

Los primeros trabajos de Arad se inclinaban hacia una línea que unía el high tech y los objects trouvé, resultando una obra postindustrial. Los materiales cobran una importancia fundamental, siendo éstos los definitorios de la obra. Nuevos materiales de la industria, como mezclas plásticas u otros tipos de metales salen de sus tradicionales funciones para convertirse en objetos cotidianos. El funcionalismo de cada una de las piezas es imprescindible, pero los productos que logra Arad se definen por una línea tremendamente estética. Los proyectos de Ron Arad han llegado a considerarse como verdaderos objetos artísticos, por el valor de auténticas piezas únicas que estas poseen. La mayor parte de la producción de este diseñador se vincula a la empresa Kartell, y también a otras firmas italianas como Alessi, Vitra, Floss, o Artemide. Su diseño fue definido por la crítica como próximo a Blade Runner e incluso a Mad Max, y su estilo se define entre brutalismo manual y sofisticación tecnológica, aunque realmente él ha escapado a cualquier tipo de etiquetas. Arad esta fascinado por las posibilidades del acero, que le permiten jugar como con plastilina. Se declara definido por Duchamp y sus ready-mades.

Diseños más representativos:

BOOKWORM, 1997

La estantería, realizada inicialmente en acero y luego trasladada a materiales plásticos, soporta hasta 10kg de carga por cada soporte. Su precio oscila entre los 400 euros. La intención es crear un mueble que roza los límites de lo escultórico. Arad pretende un objeto que permita formas ilimitadas para desarrollar la creatividad personal.

Es particularmente importante esta estrecha vinculación con la escultura y la liberación de la forma en un intento de dejar una parte creativa en manos del propio usuario, y que a la vez éste se sienta satisfecho con la estantería a ser el mismo partícipe de la personalización del objeto.

TOM VAC, 1998

Uno de los modelos más conocidos del diseñador israelí. Fue llamada así en honor a un amigo personal, el fotógrafo estadounidense Tom Vack. El diseño formaba parte de la exposición Domus Totem, comisariada por la revista Domus para la Feria del Mueble de Milán. Aunque el prototipo era en fibra de vidrio, Vitra la comercializa en una variante plástica. Silla apilable y versátil, tiene dos variantes más, que difieren de la original en sus patas: Tom Rock, con patas balancín, y Tom Roll, con ruedas.

FPE chair, 1998

Las siglas de su nombre se corresponden con: fantastic, plastic, elastic. El elemento definitorio de esta silla es la adecuada adaptación de los materiales a la sencillez y a una forma sinuosa.

Realizada en polipropileno, el asiento de la silla se une a los tubos de aluminio que la estructuran.


Las imágenes pertenecen a Kartell y Vitra, excepto la del diseñador, que es de este enlace. Y unos fantásticos vídeos de Youtube:




miércoles, 13 de agosto de 2008

Alvar Aalto

AALTO, HUGO ALVAR HENRIK (1898-1976) Biografía: De origen finlandés, Aalto inició su carrera profesional como diseñador de exposiciones, al acabar sus estudios de arquitectura en Teknillinen Korkeakoulu. Su principal colaboradora, tanto en sus proyectos como en sus investigaciones era Aino Masio, diseñadora y arquitecta, con la que se casa en 1924. Un año antes, en 1923, crea su estudio de arquitectura propio, inicialmente en Jyäskylä, y que posteriormente traslada a Turku y Helsinki. Su trabajo como diseñador y el de arquitecto siempre estuvieron paralelos, pero fue el ámbito de la arquitectura el primero en reconocer su trabajo y otorgarle un gran prestigio (edificios como la biblioteca de Viipuri, el Sanatorio de tuberculosos de Paimio y el Pabellón de Finlandia para la Exposición Universal de Nueva York los más destacados. Sus diseños de mobiliario se vinculan desde sus inicios a la firma Korhonen, y será en 1935 cuando funde junto a su mujer la empresa Artek. En 1952 contrae matrimonio con Elisa Kaisa, también arquitecta.
Comentario crítico:
Pionero en el modernismo orgánico, sus trabajos prestan un especial cuidado por los materiales naturales; no en vano, su abuelo era ingeniero forestal y su padre topógrafo, profesiones que llevaron a que el diseñador se vinculara de una manera muy especial a la naturaleza. Aalto comprendía sus diseños vinculados a su trabajo arquitectónico: su concepción de arte estaba muy conectada a las ideas Bauhaus. La vinculación con éste grupo no sólo es teórica, sino que era amigo personal de Moholy-Nagy, a quien conoció en 1929, junto a Gropius y Breuer, en el CIAM celebrado en Frankfurt. Sus diseños son composiciones integradas por formas y materiales. Las formas sinuosas y libres se contraponen a las geométricas, buscando en ritmo compositivo. En su trabajo estaban muy presentes conceptos productivos, preocupándose por los problemas de la estandarización y de funcionalidad de sus diseños. Aalto fundamenta sus diseños en los conocimientos de los muebles tradicionales y las nuevas propuestas europeas, elaborando propuestas personales e innovadoras, que empezaban ya a tener una importante consideración sobre características ergonómicas. Una de las influencias con más peso para Aalto fue Thonet, tanto por la particularidad de su trabajo, como por sus investigaciones sobre los materiales. La influencia que el diseñador finlandés tendrá para sus compañeros de profesión será notable en Gran Bretaña y Estados Unidos, especialmente en Charles y Ray Eames.